Texto escrito por Rubens Ewald Filho e publicado em seu blog do Portal R7 no dia 30/10/2011:
Em 1999, o diretor e ator Albert Brooks, fez uma comédia cult chamada A Musa ( The Muse), onde ele mesmo fazia um roteirista de Hollywood em crise artística. Segue a dica de um colega que foi inspirado por uma “musa”, como as da mitologia grega: uma mulher que o inspira (mas ao se instalar em sua casa, faz exigências e causa problemas. Pior ainda: fica amiga da mulher dele). É uma brincadeira com uma das tradições mais velhas e apreciadas do cinema, a dos grandes cineastas que sempre tem suas musas, ou atrizes preferidas, através dos quais sabem melhor se expressar. Achei divertido relembrarmos alguns deles (as).
Roger Vadim e Brigitte Bardot
Roger Vadim talvez seja o mais famoso dos Pigmaliões, que não apenas criou estrelas, mas também se casou (ainda que não oficialmente) com quase todas elas. Vadim (1928-2000) era de família russa e se casou com uma jovem bailarina aspirante à atriz Brigitte Bardot, tornando-a mundialmente famosa com E Deus Criou a Mulher (56). Era uma fórmula que se repetiria, mulheres de cabelos longos, lábios sensuais, com frequência nuas. Foi assim depois com Catherine Deneuve (O Vício e a Virtude, com quem teve um filho), a dinamarquesa Annette Stroyberg Vadim (1936-2005, Ligações Amorosas, Rosas de Sangue) e Jane Fonda (em quatro filmes, em especial Barbarella). O notável é que todas ficaram amigas dele até sua morte e se reuniram após o funeral para trocarem impressões.
Josef Von Sternberg e Marlene Dietrich
Sternberg (1894-1969) era um diretor austríaco, que fez sucesso no cinema mudo americano e retornou a Alemanha para realizar um filme já falado, para o qual escolheu uma atriz alemã (já veterana de diversos filmes), Marlene Dietrich (1901-1992) a quem moldou conforme seu ideal de beleza. Embora ela fosse casada com outro e bissexual, a levou para os Estados Unidos, onde está se tornou estrela na Paramount, muito mais magra e misteriosa. Fizeram juntos
Marrocos (com Gary Cooper),
Expresso para Shanghai e mais quatro filmes. Forçados a se separem pelo estúdio (porque os filmes foram fracassando), Marlene conseguiu sobreviver como símbolo sexual e virou lenda até sua morte. Ele teve menos sorte sem conseguir encontrar outra musa.
Mauritz Stiller e Greta Garbo
É curioso e ao mesmo tempo triste. Greta Garbo (1905-90) só se tornou uma lenda do cinema porque a MGM veio a Suécia para contratar o diretor Mauritz Stiller (1883-1928), por quem estavam interessados. Mas este exigiu que levassem junto sua protegida Greta, com quem tinha feito A Saga de Gosta Berling (24). Não eram namorados porque Stiller era homossexual, mas amigos. A Metro não queria, mas acabou aceitando Greta de contrapeso e a ironia foi que Stiller foi dispensado antes de conseguir completar sequer um filme no estudio (foi afastado de The Temptress assinado por Fred Niblo). Filmaria com Pola Negri (Hotel Imperial, The Woman on Trial, ambos de 1927) e Emil Jannings e Fay Wray (Street of sin, 28). Morreu logo depois aos 45 anos. Garbo, embora tenha lamentado muito continuou sua carreira americana e parte de sua fama de difícil veio para se vingar do estúdio que de alguma forma matou seu amigo.
John Ford e Maureen O´Hara
Outra ironia curiosa. John Ford (1894-1973) é o diretor mais premiado com o Oscar na história do prêmio, quatro vezes vencedor e considerado pela crítica e pelos colegas um mestre, responsável também por dar respeito ao genero faroeste. Acusado de misógino, seu verdadeiro “muso” seria John Wayne, com quem fez muitos filmes (desde
No Tempo das Diligências em 1939, e mais outros 14 filmes). A única atriz que gostava era da ruiva Maureen O´Hara (ainda viva), também irlandesa como Ford (embora ja tivesse nascido nos EUA) e que trabalhou com frequência com Wayne em filmes como
Depois do Vendaval. O primeiro dela com Ford foi em
Como era Verde o meu Vale, seguido por
Rio Bravo, Asas de Águia, A Paixão de uma Vida. Mas seria ela em sua autobiografía que entregaria o diretor dizendo que o pegou em flagrante num beijo homossexual com Tyrone Power! Fato que os admiradores de Ford têm preferido ignorar.
George Cukor e Katharine Hepburn
Uma história um pouco semelhante. George Cukor (1899-1983) era dos mais assumidos gays de Hollywood, amigo íntimo de Katharine Hepburn (1907-2003), que tudo parece indicar também era bissexual. Na verdade, ele era o diretor favorito das estrelas, que podiam contar com seu cuidado e atenção (teria sido por isso que Clark Gable o teria dispensado de E o Vento Levou). Trabalhou pela primeira vez com Kate em sua estreia no cinema em Vítimas do Divórcio, 32, depois em Quatro Irmãs (Little Women, 33), a fez representar um rapazinho em Sylvia Scarlett/Vivendo em Dúvida. Se reencontraram em Núpcias de Escândalo (40), O Fogo Sagrado (já com Spencer Tracy, em 42), A Costela de Adão (49), A Mulher Absoluta (52), Amor entre Ruinas (75), O Milho Está Verde (79). Estes, porém, sempre foram amigos e fieis.
Alfred Hitchcock e Grace Kelly
Sempre foi sabido que Alfred Hitchcock (1899-1980) tinha preferências por loiras frias e sofisticadas. Prova disso é que trabalhou com varias delas, como Madeleine Carroll, Carole Lombard, Joan Fontaine. Mas teve sua primeira musa na figura de Ingrid Bergman (1915-82), com quem trabalhou várias vezes (
Quando Fala o Coração, 45, Interludio, 46,
Sob o Signo de Capricórnio, 49). Só que abandonou Hollywood para viver com Rosselini na Itália. Em meados dos anos 50, finalmente fez três filmes seguidos com sua mulher ideal, Grace Kelly (1929-1882):
Disque M para Matar, 54,
Janela Indiscreta, 54, e
Ladrão de Casaca, 55. Neste último cometeu o erro de filmar em Mônaco, onde conheceu o príncipe Rainer, com quem viria a se casar e abandonar o cinema. Hitch nunca se conformou e tentou trazê-la de volta com Marnie, mas os súditos de Mônaco se manifestaram contra e ele teve que substituí-la por Tippi Hendren, físicamente parecida com Grace, mas sem o mesmo talento ou beleza. A princesa morreria aos 52 anos num acidente de carro.
Federico Fellini e Giulietta Masina
Fellini (1920-93) era apenas um cartunista e aspirante a roteirista, quando conheceu uma atriz do teatro revista porquem se apaixonou: Giulietta Masina (1921-94), com quem se casou em 1943. Ela chegou a fazer pontinha em Paisá, do amigo Rossellini (o marido era um dos roteiristas) e esteve em Sem Piedade (48, de Lattuada). Fellini estrearia no cinema justamente co-dirigindo um filme com Lattuada (que seria o tal meio de Oito e Meio), que foi Mulheres e Luzes (50), onde os dois colocaram as respectivas patroas: Carla del Poggio e Giulietta. No primeiro longa sozinho dele, O Abismo de um Sonho (52). Giulietta fazia uma participação como a prostituta Cabiria, que depois ele expandiria para estrela em Noites de Cabíria (57). Mas a grande chance dos dois foi o sucesso mundial com o premiado com o Oscar A Estrada da Vida (54), em que ela fazia Gesolmina, de olhos de Chaplin. Eles ainda voltariam a se encontrar no autobiográfico Julieta dos Espíritos (65) e depois em Ginger e Fred (86). Apesar das infidelidades do cineasta (mais notadamente com Sandra Milo), a sua morte inesperada foi antecipada pelo câncer que estava matando Giulietta e a levou menos de cinco meses depois.
Vittorio De Sica e Sophia Loren
Uma relação diferente, já que eles não eram casados nem amantes, apenas amigos. De Sica (1901-74) mantinha uma casamento de fachada há muitos anos (com duas atrizes Giudita Rissone e depois Maria Mercader, com quem ficou até a morte) e era um astro famoso no cinema e na canção desde o começo dos anos 30. O problema de De Sica era o jogo e por causa das grandes fortunas que perdia no Cassino estava sempre fazendo filmes fracos para pagar as dividas. Sophia (nascida em 1934 e ainda viva) era desde sempre protegida, amante e depois mulher do produtor Carlo Ponti, que era quem financiava a maior parte dos filmes dela. De Sica e Sophia se conheceram como atores em fitas como Nossos Tempos, O Pecado de ser uma Canalha e Pão, Amor E… De Sica a dirigiu pela primeira vez em Ouro de Nápoles, 54, e logo depois no filme que daria a Sophia um Oscar de melhor atriz (Duas Mulheres, 62). Dali em diante seria normal o reencontro, em geral também com Marcello Mastroianni para completar o triângulo (como em Ontem, Hoje e Amanhã, 63, Matrimônio à Italiana, 64, Os Girassóis da Rússia,70). Houve ainda O Condenado de Altona e Boccacio 70, ambos em 62, e o último Viagem Proibida, 74.
Claude Chabrol e Isabelle Huppert
Chabrol (1930-2000) foi de todos os diretores da Nouvelle Vague, aquele que teve carreira mais prolífica (dirigiu 72 títulos!) e também antes fez dupla com sua então esposa Stephane Audran (com quem realizou filmes memoráveis como As Corças, O Açougueiro, A Mulher Infiel, Amantes Inseparáveis). Ficaram casados entre 1964 e 80 e ironicamente ela é mais lembrada por A Festa de Babette, que nao é de Chabrol. O encontro mais marcante foi com Isabelle Huppert (1953), com quem começou a trabalhar em Violette Noizére (78, inédito aqui) e que por sinal ainda tinha Audran no elenco. Os dois voltaram a se encontrar em Madame Bovary (91), Mulheres Diabólicas (La Ceremonie, 95), Negócios a Parte (Rien ne Va Plus, 97), A Teia de Chocolate (Merci pour le Chocolat, 00) e Comédia do Poder (L´Ivresse du Pouvoir, 2006).
Walter Hugo Khouri e Lilian Lemmertz
O fenômeno da parceria entre diretor e atriz claro que ocorreu também no Brasil, como por exemplo entre Leila Diniz e Domingos de Olivieira (ainda que só em dois filmes, Todas as Mulheres do Mundo e Edu, Coração do Ouro, quando já nem estavam juntos ) ou Paulo Cesar Saraceni e Isabella (Desafio, Capitu). Mas talvez o caso mais notável foi o do diretor paulistano Walter Hugo Khouri (1929-2003) com a gaúcha Lillian Lemmertz (1937- 1986). Ela que é mãe de Julia Lemmertz (o pai é o ator já falecido Lineu Dias), trabalhou muito em teatro com Cacilda Becker e Walmor Chagas. Estreou pelas mãos de Khouri num de seus melhores filmes, Corpo Ardente (66), retornando em As Amorosas (68) e depois As Deusas (72). Seguiram-se O Último Êxtase, 73, O Anjo da Noite, 74, O Desejo, 75, Paixão e Sombras, 77, Eros, o Deus do Amor, 81. Embora Lillian tenha tido papéis principais em filmes de outros (Cordélia, Cordélia, de Rodolfo Nanni, 71 e Aleluia, Gretchen, de Sylvio Back, 76) e feita muito televisão, ninguém como Khouri para captar sua beleza e mistério.
Rubens Ewald Filho,
jornalista, historiador, geógrafo, advogado e crítico de cinema do R7.
Nesse sentido, 5x Favela não parece tão diferente assim de Cidade de Deus ou Tropa de Elite. O episódio Concerto para Violino parece dialogar diretamente com esses filmes, como se um jovem Capitão Nascimento se aliasse a Zé Pequeno para recuperar armas roubadas dos militares por uma facção criminosa. Por outro lado, 5x Favela evita esse discurso da violência e procura o cotidiano, as pequenas histórias. No episódio Fonte de Renda, temos um personagem extremamente pragmático, que trabalha com a cisão entre dois mundos: a favela e o asfalto, a classe pobre e a classe média. Após um entrecho trágico, o final é redentor. Mas a conquista do diploma universitário, a princípio, não deveria resolver os problemas do personagem principal. Apenas um diploma basta para se apagar um passado? É o único requisito para se entrar em uma nova classe social? Parece que o filme termina onde os problemas de seu personagem realmente começam.
Parece delicado retratar isso em uma cidade que, em seu todo, é uma espécie de labirinto codificado que apenas seus moradores compreendem totalmente: algumas ruas são permitidas, outras vetadas, outras são trafegáveis apenas em alguns horários. Nesse curta, os atores conseguem uma certa leveza, um certo jeito de mexer os corpos e de dizer suas falas que fazem o público, talvez pela primeira vez em 5x Favela, realmente experimentar a vida, os detalhes, os sotaques, as inflexões dessa comunidade. Alguns diálogos são pouco inteligíveis, carregados de sotaque, de uma nasalidade, de uma maneira de falar que não é um retrato feito para o cinema, mas que parece uma tentativa de se capturar um jeito de falar, um jeito como os corpos se movem naquele espaço (e o espaço é tudo nesse curta).
Mas o mais interessante dos curtas certamente é Acende a Luz, sobre uma véspera de Natal sem energia elétrica no morro do Vidigal. Em poucos minutos, de maneira leve, com agilidade, o que vemos é uma radiografia dos vários tipos humanos da favela: suas relações amorosas, a cumplicidade entre vizinhos, a agressividade latente (em determinado momento, cogitam linchar o funcionário da companhia de energia), sua afetividade. Cada um dos personagens desse episódio parece mais complexo (e, portanto, menos esquemático), do que no resto de 5x Favela. É quase como se tivéssemos um afresco, onde vemos os retratos muito vívidos de pessoas unidas para solucionar a questão da falta de energia. Novamente, o espaço da favela é muito bem utilizado, com a visão privilegiada do Vidigal servindo de contraponto para um verdadeiro labirinto de vielas e escadarias. E, no final das contas, trata-se disso mesmo: um labirinto em que, ao invés de deixar uma corda para guiá-lo de volta, Teseu preferiu brindar o Natal com o Minotauro – que, aliás, de monstruoso não tinha nada.
